SERIES ESPAÑOLAS

 

Toda mala película tiene secuela garantizada

El auge de las series españolas en los últimos años ha demostrado que su industria audiovisual no tiene nada que envidiar a las superproducciones americanas o internacionales. Obras como La Casa de Papel, La Unidad o Hierro reflejan un nivel de calidad narrativa y técnica sobresaliente, capaces de competir en el mercado global. Sin embargo, como en cualquier cinematografía, conviven propuestas destacables con otras que no alcanzan los estándares deseados, como Malaka o Entrevías, donde fallos de ambientación o guion limitan su impacto. Este recorrido por las series vistas busca ofrecer una visión crítica y matizada del panorama actual de la ficción española.

Antidisturbios es una miniserie española de drama policíaco y thriller, estrenada el 16 de octubre de 2020 en Movistar Plus+. Creada por Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña, la serie sigue a seis agentes de las Unidades de Intervención Policial (UIP) implicados en una acusación de homicidio tras un desalojo que sale mal. A lo largo de sus seis intensos episodios, Antidisturbios despliega una narrativa tensa y compleja que ahonda en las tensiones profesionales, personales y éticas de los protagonistas, ofreciendo un retrato crudo y realista de las fuerzas de seguridad.

Uno de los mayores aciertos de la serie es su enfoque hiperrealista, tanto en la recreación de operativos policiales como en la representación de la presión interna que viven los agentes. La dirección de Sorogoyen, con su característico estilo de cámara en mano y planos secuencia vertiginosos, aporta una sensación de inmediatez y urgencia que sumerge al espectador en la acción.

Además, destaca la construcción de personajes matizados, alejados del maniqueísmo, lo que permite explorar dilemas morales y personales con gran profundidad. Antidisturbios no solo es un thriller trepidante, sino también una potente crítica social que cuestiona las dinámicas de poder y las estructuras institucionales en España, consolidándose como una de las producciones más relevantes del audiovisual reciente.

Hierro es una serie española  que destaca por su capacidad para reflejar con autenticidad los desafíos a los que se enfrenta una jueza de instrucción en un entorno insular, concreto y aislado como la isla de El Hierro, en las Islas Canarias. Protagonizada por Candela Peña, quien interpreta a la jueza Candela Montes, la serie sigue su llegada a la isla para investigar un asesinato vinculado a un proyecto de parque eólico, una trama que revela motivaciones económicas, conflictos de poder y rivalidades locales.

Uno de los mayores logros de Hierro es su habilidad para entrelazar la investigación criminal con las complejidades de la vida personal de la protagonista, incluyendo su rol de madre de un niño con necesidades especiales. Este enfoque dota a la serie de una dimensión emocional profunda y humana.

La ambientación es otro de sus puntos fuertes: la singular geografía y la cultura de El Hierro no solo sirven como telón de fondo, sino que se convierten en un personaje más, aportando un tono sombrío y casi claustrofóbico que intensifica el drama.
La interpretación de Candela Peña ha sido especialmente elogiada por su autenticidad y matices, logrando construir un personaje fuerte, sensible y cercano. Hierro se consolida así como un referente de la ficción española contemporánea. 

La Sala presenta una propuesta original dentro del panorama de thrillers españoles, pero adolece de serios problemas que lastran su resultado final. Aunque intenta innovar con una narrativa en forma de puzle y mantiene un ritmo aceptable en sus primeros compases, su ejecución es deficiente en aspectos clave.

La interpretación de Francesc Garrido, lejos de ser convincente, resulta deplorable. Especialmente en los últimos episodios (7 y 8), su actuación cae en gestos repetitivos y antinaturales: apoyarse en el recibidor, observar de pie sin propósito, tocarse la cara o realizar tics innecesarios que rompen cualquier atisbo de verosimilitud. A ello se suman los diálogos que sostiene en los interrogatorios o con la periodista —más propios de un filósofo que de un inspector de policía—, generando un discurso grandilocuente que desconecta de la trama. Además, cabe señalar errores de fondo como el tratamiento irreal de la figura policial: en España, los abogados no intervienen en los interrogatorios, solo garantizan el respeto de los derechos constitucionales; y un agente sancionado nunca es confinado seis meses con pulsera, sino suspendido de empleo y sueldo.

El tratamiento superficial de los personajes secundarios, especialmente femeninos, y una estructura narrativa con flashbacks innecesariamente confusos, terminan por desdibujar el interés inicial. En resumen, La Sala se queda en un thriller de pretensiones frustradas y ejecución fallida.

La Casa de Papel, conocida  internacionalmente como Money Heist, es una serie española de drama criminal creada por Álex Pina que ha revolucionado la ficción televisiva desde su estreno en 2017. La trama sigue a “El Profesor”, un estratega brillante que reúne a ocho especialistas para ejecutar un ambicioso asalto a la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre de España. Bajo seudónimos de ciudades como Tokio, Berlín y Nairobi, los atracadores toman rehenes y enfrentan una carrera contrarreloj para imprimir 2.400 millones de euros mientras lidian con las presiones externas e internas.

Uno de los grandes aciertos de La Casa de Papel es su capacidad para combinar acción trepidante con un desarrollo profundo de personajes, explorando temas universales como el amor, la lealtad, la traición y el sacrificio. El ritmo narrativo, lleno de giros inesperados, mantiene al espectador en vilo, mientras que la construcción de personajes carismáticos genera una fuerte conexión emocional con la audiencia.

Visualmente impactante y con una banda sonora icónica —donde destaca “Bella Ciao”—, la serie ha logrado trascender fronteras culturales y convertirse en un fenómeno global. La Casa de Papel es un testimonio de la capacidad del audiovisual español para crear contenido de calidad que atrapa y emociona a públicos de todo el mundo.

Los hombres de Paco  combina hábilmente comedia y drama policial, convirtiéndose en un clásico televisivo desde su estreno en 2005. Creada por Daniel Écija y Álex Pina, la historia sigue las peripecias del inspector Paco Miranda (Paco Tous) y sus inseparables compañeros Mariano Moreno (Pepón Nieto) y Lucas Fernández (Hugo Silva), quienes enfrentan casos criminales mientras lidian con situaciones personales y familiares en la ficticia comisaría de San Antonio, en Madrid.

Uno de los mayores aciertos de Los hombres de Paco es su enfoque humano y humorístico del trabajo policial, alejándose de los estereotipos de series de crimen más tecnológicas o violentas. La serie logra equilibrar acción, drama y comedia, ofreciendo personajes entrañables y tramas que combinan investigación criminal con relaciones afectivas, dilemas éticos y conflictos familiares.

Su éxito prolongado, con diez temporadas emitidas y un regreso en 2021, demuestra la conexión emocional que logró establecer con el público. (La segunda parte no la he visto.) Además, su reparto carismático y los guiones ágiles consolidaron a Los hombres de Paco como una de las ficciones más queridas y recordadas de la televisión española, capaz de mezclar entretenimiento con una mirada cercana y desenfadada a la vida cotidiana de unos policías muy poco convencionales.

Malaka  se sumerge en el lado más oscuro de Málaga, retratando el narcotráfico y la corrupción con un tono sombrío y envolvente. Alejada de la imagen turística habitual de la Costa del Sol, presenta una ciudad marcada por el crimen organizado y el conflicto moral. Los inspectores Darío (Salva Reina) y Blanca (Maggie Civantos) llevan el peso narrativo, aportando intensidad emocional y dinamismo a la investigación de una desaparición vinculada al mundo de la droga. Destaca la interpretación de Laura Baena como la matriarca gitana “Tota”, un personaje poderoso que transmite el  pulso dramático de la serie.

Aunque Malaka arranca con fuerza y mantiene una tensión interesante, su desenlace resulta insatisfactorio, y ciertos aspectos relacionados con el tráfico de drogas carecen de realismo. En este sentido, para mí tiene puntos de conexión con La Sala, especialmente en lo que respecta a la mala ambientación en algunos pasajes y a la falta de verosimilitud hacia el final.

Aun con estas debilidades, Malaka es una propuesta recomendable dentro del género policiaco español. Invita a una mirada crítica sobre los problemas sociales y se sostiene gracias a su reparto sólido y una atmósfera opresiva que envuelve al espectador.

La Unidad es una sobresaliente serie española que se adentra en el trabajo de los servicios antiterroristas de la Comisaría General de Información de la Policía Nacional. A lo largo de sus tres temporadas, ofrece una representación detallada y verosímil de las operaciones de inteligencia policial, combinando acción, intriga y drama con gran equilibrio narrativo.Uno de los grandes aciertos de La Unidad es su enfoque realista, tanto en la reconstrucción de escenarios como en la representación de procedimientos policiales, evitando caer en tópicos o dramatizaciones excesivas. 

La serie consigue mantener una tensión constante, apoyada en un ritmo ágil y en un guion que sabe dosificar la información para enganchar al espectador sin renunciar al rigor.Su cuidada ambientación y realización técnica refuerzan la sensación de autenticidad, logrando transmitir el peligro y la presión constante bajo la que trabajan los agentes. Además, el reparto coral brilla por su sobriedad y naturalidad, aportando credibilidad y humanidad a los personajes.

La Unidad se consolida como una de las producciones más sólidas y exigentes del panorama televisivo español, gracias a su rigor técnico y narrativo. A diferencia de otras ficciones recientes que priorizan el efectismo, esta serie apuesta por la autenticidad, construyendo un relato de acción e intriga que no sacrifica la profundidad dramática. Su atención al detalle y la calidad interpretativa del reparto la convierten en un referente contemporáneo dentro del género.

Entrevías (2022-2024) es un thriller social protagonizado por José Coronado que aspira a retratar las tensiones de un barrio madrileño marcado por el narcotráfico. Aunque la serie parte de una propuesta interesante, su narrativa oscila entre un realismo crudo y clichés contemporáneos mal integrados, ofreciendo una visión reduccionista de Vallecas como territorio dominado por el crimen.

Entre sus puntos débiles destacan la superficialidad en el tratamiento de temas como la diversidad cultural y sexual, que terminan más como gestos forzados que como exploraciones genuinas. La actuación de Nona Sobo resulta poco convincente, rompiendo la inmersión en momentos clave. Asimismo, la representación del barrio ha generado críticas por perpetuar estereotipos alejados de su realidad social.

Sin embargo, Entrevías logra enganchar gracias a su sólida tensión narrativa y a las interpretaciones destacadas de Coronado y Luis Zahera. Los conflictos entre Tirso y los narcos, así como la complejidad moral de Ezequiel, aportan dinamismo y profundidad. Elementos como las lealtades ambiguas de los personajes añaden matices que enriquecen el drama.

Personalmente, encuentro ciertos paralelismos con La Sala y Malaka, especialmente en la ambientación poco conseguida, el tratamiento superficial de temas contemporáneos —como la homosexualidad lésbica o la integración cultural— y una falta de realismo que lastra el conjunto. Aunque Entrevías ofrece momentos de gran tensión y resulta entretenida, deja la sensación de ser una serie ambiciosa cuya ejecución no llega a cumplir del todo sus promesas iniciales. 

SERIES INGLESAS

 

The bee’s knees

Las series de televisión británicas se han consolidado como un referente de calidad y originalidad, destacándose por su narrativa sólida, personajes profundos y producción meticulosa. A lo largo de las décadas, el Reino Unido ha sido cuna de géneros diversos, desde el drama de época, como Downton Abbey, hasta el suspense policial, como Broadchurch. Sin embargo, entre las más notables se encuentran las series de espionaje y policiales que, con tramas complejas y giros inesperados, han capturado audiencias globales.
 
Me han gustado en especial dos series Slow Horses y Line of Duty. Ambas series reflejan la maestría de la televisión británica en combinar tramas intrincadas con personajes complejos, manteniendo al espectador al borde de su asiento.

SERIES

Line of Duty es una de las series más sólidas del género policial británico, con seis temporadas emitidas hasta la fecha, la última en 2022. Ambientada en Londres, gira en torno a una unidad de asuntos internos especializada en investigar casos de corrupción dentro de la propia policía. La serie destaca por su enfoque realista y su capacidad para generar tensión desde el primer episodio.

La trama combina investigaciones complejas con una exploración profunda de personajes moralmente ambiguos. No hay blancos ni negros absolutos: cada oficial, cada decisión, parece moverse en una escala de grises. El ritmo narrativo es rápido y lleno de giros inesperados, lo que mantiene al espectador constantemente en alerta. Las temporadas están interconectadas, y a medida que avanza la serie, se revelan nuevas capas de una trama más amplia sobre encubrimientos y redes de poder dentro de las fuerzas del orden. Es un ejemplo brillante del thriller británico: inteligente, crudo y emocionalmente intenso.

 

 

Slow Horses es una serie de televisión británica basada en las novelas de Mick Herron, que sigue las desventuras de un grupo de agentes de inteligencia relegados dentro del MI5. La trama se centra en la oficina de “Slough House”, un lugar sombrío donde son enviados aquellos espías que han cometido errores graves en sus carreras. Allí, bajo la excéntrica y malhumorada supervisión de Jackson Lamb —interpretado magistralmente por Gary Oldman—, intentan recuperar algo de dignidad mientras son marginados por el sistema.

Con cuatro temporadas emitidas hasta ahora, la serie ofrece una visión inusual y refrescante del género de espionaje. A diferencia de los clásicos héroes infalibles, aquí los agentes son torpes, humanos y vulnerables, lo que añade realismo, ironía y un brillante humor negro a la narrativa. Cada temporada plantea una nueva amenaza, y aunque los “caballos lentos” parecen los menos capacitados, sorprenden con su eficacia poco ortodoxa. Slow Horses destaca por su guion afilado, atmósfera tensa y personajes llenos de matices. Es, sin duda, una de las series más originales del espionaje reciente.

Happy Valley es una serie de televisión británica que combina el drama personal con el thriller policial de forma sobresaliente. Estrenada en 2014 y compuesta por tres temporadas, la historia se desarrolla en un tranquilo valle de Yorkshire, donde la sargento Catherine Cawood lucha contra el crimen mientras lidia con sus propios traumas personales.

Sarah Lancashire ofrece una interpretación magistral como Catherine, una mujer fuerte, decidida y profundamente marcada por la tragedia familiar. Su personaje se enfrenta tanto a criminales peligrosos como a la complejidad de su entorno personal, especialmente tras el suicidio de su hija y la crianza de su nieto.

La serie destaca por su guion realista, su tratamiento honesto del dolor y la desesperanza, y su capacidad para construir tensión sin perder de vista la humanidad de sus personajes. Happy Valley es intensa, emocionalmente potente y una de las series británicas más aclamadas de la última década.

The Fall, conocida en español como La Caza, es un thriller psicológico británico que ha dejado una huella notable en el género policial. Protagonizada por Gillian Anderson, en el papel de la detective Stella Gibson, y Jamie Dornan, como el asesino Paul Spector, la serie cuenta con tres temporadas intensas y complejas.

Ambientada en Irlanda del Norte, la historia sigue a la inspectora Gibson, enviada desde Londres para investigar una serie de asesinatos cometidos por un hombre que lleva una vida aparentemente normal. Esta doble vida del criminal crea una tensión constante que mantiene al espectador en vilo.

La serie se destaca por su ritmo pausado, su atmósfera inquietante y la profunda exploración psicológica tanto de la detective como del asesino. Las entrevistas entre ambos, cargadas de inteligencia y contención emocional, son algunos de los momentos más memorables. The Fall es un ejemplo sobresaliente del mejor suspense británico, apoyado en guiones sólidos y actuaciones excepcionales.

Bodyguard es un trepidante thriller británico creado por Jed Mercurio y protagonizado por Richard Madden, quien interpreta a David Budd, un veterano de guerra con trastorno de estrés postraumático que ahora trabaja como agente de protección de personalidades públicas. La serie fue un fenómeno de audiencia en el Reino Unido desde su estreno en 2018 y obtuvo reconocimiento internacional por su intensidad y ritmo vertiginoso.

La historia arranca cuando Budd es asignado a proteger a la ambiciosa y controvertida ministra del Interior, Julia Montague (interpretada por Keeley Hawes), cuyas decisiones políticas generan división en la opinión pública… y también en su guardaespaldas. La tensión entre ambos crece capítulo a capítulo, no solo por motivos profesionales, sino también personales.

Bodyguard combina acción, intriga política y drama psicológico con una puesta en escena impecable. Sus giros inesperados y su estilo cinematográfico la convierten en una de las mejores miniseries de suspense de la última década. Madden recibió el Globo de Oro a Mejor Actor por este papel.

 

Collateral es una miniserie británica de solo cuatro episodios, pero con una potencia narrativa que la convierte en una obra muy por encima de la media. La historia comienza con el aparente asesinato sin sentido de un repartidor de pizzas en Londres, pero pronto la investigación revela una red de conexiones que involucran temas tan relevantes como la inmigración ilegal, el tráfico humano, la corrupción política y el abuso de poder.

Lo que parecía un crimen aislado, se convierte en el punto de partida de una intrincada trama donde cada personaje —desde la detective a cargo hasta los testigos y las víctimas colaterales— tiene su propia historia, llena de matices morales y conflictos internos. La detective Kip Glaspie, interpretada por Carey Mulligan, destaca por su serenidad, inteligencia y determinación.

La serie combina el drama policial con una crítica social elegante y certera, manteniendo la tensión narrativa sin sacrificar la profundidad de sus personajes ni el realismo de su contexto. Collateral es una historia actual, ágil y reflexiva que demuestra cómo el thriller puede ser también un vehículo para abordar grandes temas sociales.

Blue Lights es una serie británica que comencé a ver en febrero de 2024 y que rápidamente captó mi atención por su propuesta fresca y original dentro del género policial. Ambientada en Irlanda del Norte, la serie se centra en un grupo de jóvenes agentes en prácticas, alejándose del típico esquema de policías veteranos en grandes ciudades como Londres. Esta elección de escenario y enfoque le otorga una personalidad propia.

La primera temporada destaca por su realismo al retratar los desafíos de unos novatos que intentan abrirse camino en una región marcada por profundas tensiones políticas y sociales. El contraste entre su inexperiencia y la dureza del entorno aporta una intensidad especial a cada episodio. Las actuaciones son convincentes, la producción está cuidada, y las escenas de acción están bien ejecutadas, con un ritmo narrativo que mantiene el interés en todo momento.

La segunda temporada, estrenada recientemente en Movistar y que terminé de ver el 29 de diciembre de este mismo año, mantiene intacta la esencia de la primera. Nuevos retos personales y profesionales empujan a los personajes a evolucionar, mientras la tensión crece en un contexto social todavía frágil. La serie profundiza aún más en los dilemas morales que enfrentan los agentes, destacando la complejidad de impartir justicia en una sociedad aún dividida por su pasado.

Con su mezcla de tensión, acción y reflexión, Blue Lights se ha consolidado como una de las propuestas más sólidas e interesantes del reciente panorama televisivo británico. Espero con entusiasmo las próximas temporadas.

Historial delictivo es una serie británica reciente que se desarrolla en el Londres contemporáneo, con una atmósfera intensa y envolvente. La historia comienza con una llamada anónima que reabre un antiguo caso de asesinato, obligando a dos detectives de perfiles opuestos a trabajar juntos. Por un lado, una joven inspectora ambiciosa ve esta investigación como la oportunidad de demostrar su valía. Por otro, su compañero veterano parece más preocupado por su reputación y su comodidad que por descubrir la verdad.

La serie explora las tensiones personales y profesionales entre ambos, mientras el caso se va complicando con nuevos hallazgos, versiones contradictorias y dilemas éticos que cuestionan la integridad del sistema policial. A medida que la trama avanza, también lo hace la complejidad del caso, generando un clima de sospecha constante donde nadie parece ser completamente inocente ni culpable.

Aunque está concebida como una serie con potencial para futuras temporadas, esta primera entrega tiene un peso propio y ofrece un desenlace que redefine el destino de los personajes principales. Es una propuesta que mezcla el thriller clásico con una mirada contemporánea sobre la justicia y la responsabilidad.

Trigger Point: fuera de control

Trigger Point: fuera de control es una serie británica de acción y suspense que se centra en una unidad de desactivación de explosivos de la Policía Metropolitana de Londres. La historia gira en torno a Lana Washington, una experta artificiera interpretada por Vicky McClure, actriz reconocida por su trabajo en Line of Duty. Aquí, McClure lidera las operaciones con determinación, enfrentándose a situaciones de alto riesgo que ponen su vida en juego en cada episodio.

La serie, que ya cuenta con dos temporadas, se caracteriza por su ritmo vertiginoso, escenas de tensión extrema y una protagonista que mezcla coraje, intuición y humanidad. Aunque no ha alcanzado el mismo nivel de prestigio que otras producciones británicas del género, ofrece una propuesta sólida y entretenida para los amantes del thriller de acción. Las constantes amenazas, explosiones y giros inesperados mantienen la tensión en cada capítulo, recordando por momentos la intensidad de clásicos como Die Hard.

FRASIER

 

CINE WOKE

"El éxito de un espectáculo siempre dependerá de que el público esté más interesado en lo que sucede en el escenario que en los errores fuera de él."

Siempre he sentido que el cine es un espejo de la sociedad: nos refleja, nos interpela, nos emociona. Pero en los últimos años, observo un giro preocupante. Muchas películas y series han dejado de contarnos historias para centrarse en transmitir mensajes ideológicos, y lo hacen reescribiendo el pasado, reformulando personajes icónicos y alterando obras literarias o cinematográficas que forman parte de la memoria colectiva.

No estoy en contra del cambio ni de la inclusión. Estoy en contra de la manipulación narrativa con fines ideológicos, especialmente cuando se hace a costa del legado cultural, de la historia y de la coherencia interna de una obra.

Un modelo repetitivo y artificial

Hoy muchas producciones responden a un esquema tan predecible como artificial: el protagonista —hombre o mujer— siempre está acompañado de un elenco que cubre todas las casillas de representación: una persona racializada, alguien LGBTQ+, alguien que practica una religión no cristiana, y un trasfondo social de exclusión o trauma.

Esto no sería un problema si estas historias surgieran de forma orgánica. Pero en muchos casos parece más una obligación que una necesidad narrativa. El resultado es que el espectador deja de ver personajes reales y empieza a ver constructos ideológicos disfrazados de guion.

Lo que me desconcierta no es la diversidad —que siempre ha estado en el cine bien hecho— sino su uso instrumental, casi mecánico, como si el relato tuviera que pasar un control de corrección política antes de llegar a pantalla.

El cine no debería enseñarnos a pensar: debería hacernos pensar

El arte no es una lección moral. Es una forma de explorar la condición humana, con todas sus contradicciones, matices, claroscuros. El buen cine no grita: sugiere, conmueve, incomoda a veces, pero siempre respeta al espectador.

El problema con muchas producciones actuales es que confunden representación con imposición. Confunden sensibilidad con censura. Lo hemos visto incluso en el intento de reescribir novelas, cambiar el lenguaje en los libros de Roald Dahl, o modificar los clásicos de Agatha Christie para que encajen en los nuevos estándares morales del siglo XXI.

Pero no se puede reinterpretar el pasado con la ideología del presente sin caer en una forma de revisionismo cultural. Y ese revisionismo, por bien intencionado que sea, borra más de lo que construye.

Ejemplos en el cine español

• Carmen y Lola (2018): muestra una relación entre dos mujeres dentro de la comunidad gitana. Aporta visibilidad, sí, pero fue criticada por su representación sesgada de una cultura compleja.
• Techo y comida (2015): denuncia la precariedad en España. Una historia poderosa, aunque claramente marcada por una lectura social muy determinada.
• La trinchera infinita (2019): sin caer en el discurso fácil, su enfoque sobre el franquismo conecta con las preocupaciones actuales por la memoria y la opresión.
• La llamada (2017): mezcla religión y cultura pop para tratar la identidad sexual en clave ligera. Su mérito está más en la forma que en el fondo.

Hollywood y el dogma ideológico

• Capitana Marvel: se vendió como una película feminista, pero muchos la criticaron por su tono aleccionador y su protagonista “perfecta” e inverosímil.
• Lightyear: buscó marcar un hito con una escena LGBTQ+, pero terminó enfrentando censura y rechazo por su forma de abordar el tema.
• Mulan (2020): despojada de todo lo que hacía memorable al clásico animado, con un discurso políticamente correcto pero sin alma.
• Barbie (2023): convirtió la sátira en bandera, generando división: para algunos fue liberadora, para otros, una caricatura ideológica.

¿Estamos educando o adoctrinando?

No se trata de negar que el cine tenga una dimensión social. Se trata de entender que su primera función es narrativa. Que su poder está en la historia, no en el panfleto. Que los clásicos perduran porque hablaban de emociones humanas, no de discursos de moda.

Tampoco podemos olvidar que muchas de estas producciones pretenden educar desde una superioridad moral sospechosa, en lugar de confiar en la inteligencia del espectador. Se pierde la magia, la duda, la interpretación libre. Todo queda empaquetado, cerrado, explicado… como si el espectador no pudiera pensar por sí mismo.

Conclusión: respeto por la obra, por la historia y por el espectador

El fenómeno woke, cuando se aplica a la revisión de obras clásicas, corre el riesgo de convertirse en una nueva forma de censura disfrazada de progreso. Reescribir el pasado con las categorías del presente no es justicia: es manipulación.

El cine, la literatura, el arte, deben poder mostrar la complejidad del mundo, incluso aquello que hoy resulta incómodo. No todo debe ser ejemplar. No todo personaje tiene que enseñar algo. A veces, basta con que nos conmueva.

Yo no rechazo la evolución de las narrativas. Lo que rechazo es el dogma disfrazado de entretenimiento, la consigna disfrazada de guion, y la corrección política convertida en criterio estético.

El buen cine, el que perdura, no tiene miedo de la imperfección. Ni de la verdad. Y mucho menos del pasado.

RISAS DE CINE

 

El humor en el cine nos enseña a reírnos de la vida y de nosotros mismos

El humor en el cine

El humor siempre ha sido un espejo sencillo, pero honesto. Cuando reímos, a menudo no nos damos cuenta de que estamos mirando lo que somos: nuestras contradicciones, nuestras rarezas. El cine de humor lo hace con más fuerza. Nos muestra cómo vivimos, cómo pensamos, cómo somos. Y lo hace sin pretensiones. Solo a través de la risa. Y aunque parece sutil, no lo es.

Recuerdo la primera vez que vi El guateque. Una vieja película con Peter Sellers, interpretando a un hombre fuera de lugar. Las situaciones eran absurdas, cómicas, pero había algo más ahí. Más tarde entendí que esa película hablaba de clase, de cultura, de esas normas invisibles que parecen hechas para ponernos a prueba.

En España, algo parecido lo hizo Paco Martínez Soria. Sus personajes eran hombres de campo perdidos en la gran ciudad. Todo era risas, sí, pero también había una melancolía en ese choque entre lo que era y lo que ya no podía ser. Nos reíamos, pero también entendíamos la pérdida.

El humor también sirve para hablar de lo que no queremos mirar de frente. La vida de Brian es un buen ejemplo. Monty Python se atrevió a reírse de todo, incluso de la religión. Pero no era una burla fácil, no. Era como si usaran la risa para romper muros, para señalar los absurdos que damos por sentado. En España, La vaquilla hizo algo similar. Era la Guerra Civil, pero desde el humor. Soldados republicanos robando una vaca del bando enemigo. Todo era absurdo. Pero ¿acaso la guerra no lo es? Berlanga usó la comedia como un bisturí: cortó con precisión. Y aunque reímos, dolió. Le he dedicado una entrada aparte a su cine.

En el cine español, el humor tiene un peso especial. Lo que nos hace reír también nos hace preguntarnos quiénes somos. La escopeta nacional es un buen ejemplo: una cacería que es, en realidad, una radiografía. La clase alta, el poder, la corrupción… Todo está ahí, envuelto en situaciones cómicas que te hacen bajar la guardia. Y justo ahí, te llega la verdad.

Esa mezcla —entre la risa y la crítica— es profundamente española. La vi también en Ocho apellidos vascos: un andaluz, una vasca, los tópicos, los acentos… Pero también una mirada sincera a lo que nos separa y lo que nos une. Paco Martínez Soria ya hacía eso, pero desde otro lugar: tradición, familia, el choque entre lo viejo y lo nuevo. Sus películas eran una forma de entender cómo íbamos cambiando como país.

Y no solo en el cine. También en televisión hemos visto humor que conecta con nosotros. Recuerdo Cheers. Ese bar, ese lugar donde se iba a beber, a hablar, a reír. Pero también era un refugio. Las risas escondían heridas. Luego llegó Frasier, que tomó esas risas y las volvió más sofisticadas, más familiares. En España hemos tenido menos ejemplos así, pero algunas series lo lograron: personajes con los que podías reír y, a la vez, sentirte menos solo.

Para mí, hay películas que dejaron algo más que risas. Fueron un hito. De esas que no se borran con el tiempo. Las que todavía llevo conmigo. Las que provocaron esa risa genuina que aparece sin buscarla. Algunas las he mencionado ya. Otras vienen a continuación.

 El Guateque (1968)

"El Guateque" es una comedia clásica donde Peter Sellers interpreta a Hrundi V. Bakshi, un actor hindú torpe que es invitado por error a una lujosa fiesta en Hollywood, desencadenando una serie de situaciones hilarantes.

El regreso de la Pantera Rosa (1975)

En "El Regreso de la Pantera Rosa", el inspector Clouseau, interpretado por Peter Sellers, regresa para investigar el robo del famoso diamante "La Pantera Rosa", en una comedia llena de enredos y humor absurdo.

El jovencito Frankenstein (1974)

"El Jovencito Frankestein" dirigida por Mel Brooks, esta parodia de las películas de terror clásicas sigue al Dr. Frederick Frankenstein mientras recrea los experimentos de su abuelo, con resultados cómicos.

La cena de los idiotas (1998)

"La Cena de los Idiotas", es una comedia francesa donde un grupo de amigos organiza cenas semanales invitando a "idiotas" para burlarse de ellos, pero las cosas no salen como esperan.

Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho? (2014)

"Dios mio, ¿pero que te hemos hecho" trata de una pareja católica francesa enfrenta el matrimonio de sus cuatro hijas con hombres de diferentes culturas y religiones, lo que genera situaciones cómicas y reflexiones sobre la diversidad.

MASH (1970)

MASH. Ambientada durante la Guerra de Corea, esta comedia negra sigue al personal de un hospital quirúrgico móvil que utiliza el humor para sobrellevar las dificultades del conflicto.

Con faldas y a lo loco (1959)

En "Con Faldas y a lo Loco",  dos músicos testigos de un asesinato se disfrazan de mujeres y se unen a una banda femenina para escapar de la mafia, desencadenando una serie de enredos cómicos.

El apartamento (1960)

En "El Apartamento" un empleado presta su apartamento a sus jefes para sus aventuras amorosas, pero las complicaciones surgen cuando se enamora de una de las amantes.

La vida de Brian (1979)

"La historia de Brian", nacido el mismo día que Jesucristo y en el pesebre de al lado, quien es confundido con el Mesías en una sátira de las religiones organizadas.

Atrapado en el tiempo (1993)

En "Atrapado en el Tiempo", un meteorólogo se ve atrapado en un bucle temporal, reviviendo el mismo día una y otra vez, lo que lo lleva a reflexionar sobre su vida y decisiones.

BERLANGA

 

Al final, en lo absurdo está lo humano, y en lo humano, la verdad.

 

Luis García Berlanga: el genio del absurdo que reflejó a España

Este mes de diciembre he finalizado en la Universidad de Alicante un taller sobre escritura de guiones cinematográficos. Revisamos películas, guionistas y directores, sobre todo norteamericanos. Wilder. Hitchcock. Ford. No estuvo mal. Aprendí cosas. Pero cada vez que terminábamos, pensaba en otros nombres. En otros directores. Pensaba en Berlanga. No se habló de su filmografía. Supongo que no había tiempo. O no era el enfoque. Pero para mí, Berlanga siempre está ahí. Este texto es sobre él. Sobre lo que fue y sobre lo que sus películas siguen siendo.

Berlanga, un espejo incómodo de España

Luis García-Berlanga Martí, nacido en Valencia en 1921, no solo dirigió películas: trazó un mapa de las contradicciones de la sociedad española. Con una mezcla precisa de mordaz ironía y humor corrosivo, logró atravesar las estructuras del franquismo y retratar lo que otros apenas se atrevían a mostrar. Su cine, un cóctel de surrealismo y realidad cotidiana, no solo desnudó la España de su tiempo, sino que, de paso, marcó un antes y un después en el cine europeo.

No necesitó discursos directos ni denuncias explícitas. Sabía que la fuerza estaba en los detalles: una conversación aparentemente banal, una escena absurda, un personaje atrapado en su propia contradicción. Era su forma de esquivar la censura, pero también de tocar fibras profundas que otros ignoraban. En sus manos, lo cotidiano se convertía en una radiografía aguda del poder, la moral y la burocracia.

El término “berlanguiano”

Con Berlanga nació un adjetivo. La Real Academia Española reconoció el término “berlanguiano”, que define un estilo donde lo surrealista no solo es posible, sino inevitable. Imagina un pueblo pequeño, una fiesta patronal, un enredo administrativo que acaba consumiendo a todos sus participantes. Lo absurdo no es solo comedia: es un vehículo de crítica social, un espejo deformado pero certero.

Sus historias, en apariencia triviales o cómicas, esconden profundas reflexiones sobre la jerarquía social, los valores impuestos y la hipocresía. A través del humor, Berlanga hablaba de temas prohibidos sin pronunciar una sola palabra prohibida.

Los personajes de Berlanga

En el cine de Berlanga no hay héroes ni villanos. Hay seres humanos atrapados en sistemas que no comprenden: funcionarios confundidos, campesinos enfrentados a trámites imposibles, alcaldes, curas, soldados o burgueses ahogados por normas absurdas. Estos personajes, enfrentados a situaciones límite, reflejan la impotencia de una sociedad desbordada por su propia burocracia y sus prejuicios.

A pesar del tono crítico, Berlanga nunca cayó en el pesimismo. Su cine nos recuerda que la risa siempre está cerca, incluso cuando la situación parece insostenible. Esa capacidad de equilibrar comedia y reflexión es lo que hace que sus películas sigan vigentes.

Un director de actores

Más allá de sus guiones brillantes, el cineasta tenía un don especial para trabajar con actores. Supo rodearse de intérpretes que entendían su visión y la llevaban al límite. José Isbert, Pepe Sacristán, Alfredo Landa, entre otros, aportaron humanidad, profundidad y verdad a sus historias. En sus interpretaciones no había artificio: había vida, ironía y emoción contenida.

Un legado irrepetible

Berlanga cosechó premios y reconocimientos, pero su legado más duradero está en la manera de hacer cine: crítica sin panfleto, risa sin superficialidad, sátira con alma. Hoy, su influencia se percibe en muchos cineastas que encuentran en él una fuente inagotable de inspiración.

Lo esencial del cine de Berlanga

• Crítica social y política indirecta, pero contundente.

• Uso del absurdo como herramienta de análisis.

• Personajes atrapados en sistemas disfuncionales.

• Humor que suaviza y potencia la crítica.

• Dirección de actores sutil y humana.

• Reflexión sobre la clase media, el poder y la cultura popular.

Películas que me marcaron

Bienvenido, Mister Marshall (1953)

Una sátira sobre el conformismo y la ingenuidad de la España de posguerra. En un pueblo andaluz, los vecinos se preparan para la llegada de diplomáticos estadounidenses. Se visten de flamencos y montan espectáculos… pero la realidad es otra. Berlanga denuncia, entre risas, la manipulación política y los sueños vacíos de una sociedad necesitada.

Plácido (1961)

En plena Navidad, se lanza una campaña franquista: “Siente a un pobre a su mesa”. Plácido, un humilde hombre contratado para el acto, se convierte en un símbolo de caridad. Berlanga lanza aquí una de sus críticas más feroces a la hipocresía burguesa. Fue nominada al Óscar a Mejor Película de Habla No Inglesa.

El verdugo (1963)

Comedia negra y demoledora crítica a la pena de muerte. José Luis, joven enterrador, se ve forzado a heredar el oficio de su suegro: verdugo del Estado. La película revela el horror cotidiano de una función institucionalizada. Una sátira sobre la obediencia, la normalización de la violencia y la doble moral de una sociedad cómplice.

La escopeta nacional (1978)

Luis García Berlanga, junto a Rafael Azcona, creó con su Trilogía Nacional —La escopeta nacional (1978), Patrimonio nacional (1981) y Nacional III (1982)— un ácido retrato de la España de la Transición. A través de la decadente familia Leguineche, las películas exploran con sátira y humor los mecanismos de corrupción, tráfico de influencias y adaptación oportunista de las élites al nuevo régimen democrático.

La escopeta nacional muestra el poder económico y político del tardofranquismo a través de una cacería donde empresarios buscan favores ministeriales. Patrimonio nacional retrata la vuelta del marqués de Leguineche a Madrid tras la muerte de Franco, reflejando el acomodo de las viejas élites en la monarquía restaurada. Finalmente, Nacional IIIpresenta a la familia intentando proteger su fortuna ante el triunfo socialista de 1982.

La trilogía destaca también por su uso magistral del plano secuencia, que subraya la opresión social sobre el individuo. Berlanga logra combinar crítica social y entretenimiento, ofreciendo un testimonio mordaz y vigente de las estructuras de poder españolas. El legado de estas películas trasciende el cine, consolidándose como una referencia cultural clave para comprender las dinámicas políticas y sociales de la España contemporánea.

La vaquilla (1985)

Durante la Guerra Civil, unos soldados republicanos intentan robar una vaca del bando enemigo. Una misión absurda, tan absurda como la propia guerra. Con humor negro, Berlanga critica el fanatismo, el hambre y la inutilidad del conflicto, humanizando a todos sus personajes.

Todos a la cárcel (1993)

En una cárcel valenciana, se organiza un encuentro de antiguos represaliados del franquismo. Ahora burgueses, conviven con presos comunes. La sátira alcanza aquí un nivel esperpéntico: corrupción, olvido y memoria manipulada. Ganó el Goya al mejor director. Una tragicomedia amarga sobre la posmemoria y el cinismo político.

Luis García Berlanga no solo dirigió películas: construyó un lenguaje propio, creó un estilo, un adjetivo, una mirada. Su cine es una lección de cómo reírnos de lo que duele, y entender, a través del humor, lo que otros se empeñan en esconder. 

Trailer de "Todos a la Carcel"

SERIES TELEVISION EXCELENTES

 

"Si puede ser escrito o pensado, puede ser filmado."

Stanley Kubrick

 

El cine y las series han sido una constante en mi vida desde los años 60, cuando en Badajoz acudíamos al cine López de Ayala, Menacho o Pacense en busca de historias cautivadoras. La llegada de la televisión transformó esa experiencia, llevándola al hogar y haciéndola más cercana e íntima.

  Con el nuevo milenio, las series vivieron un auge sin precedentes. Clásicos como El Santo, Misión Imposible, Los Vengadores o Canción triste de Hill Street marcaron época y definieron nuevos estilos narrativos.

 En mi etapa en Lima, redescubrí esta pasión gracias a Breaking Bad, una obra maestra que me mantuvo despierto noche tras noche. Fue una verdadera revelación.

También entonces descubrí el cine nórdico a través de Bron (El Puente), que me abrió las puertas a una narrativa distinta y profunda. La ficción británica, con su rigor y elegancia, también me atrapó.

Y como si la historia se reinventara, el cine español vivió un renacer durante la pandemia. Hierro, La Unidad y La casa de papeldestacaron por su calidad, su tensión narrativa y una frescura que marcó tendencia tanto dentro como fuera del país.

 

La serie “Fargo”, estrenada en 2014, se inspira en la película homónima de 1996 dirigida por los hermanos Coen, manteniendo su característico humor negro y giros inesperados. La primera temporada reinterpreta eventos similares a los del filme, pero con desenlaces distintos, mientras que las temporadas posteriores presentan historias independientes ambientadas en diferentes épocas, conservando el tono de violencia y humor negro que caracteriza a la obra original. La película “Fargo” es considerada un clásico del cine contemporáneo, combinando comedia negra, crimen y drama. Ganó dos premios Oscar: Mejor Actriz para Frances McDormand y Mejor Guion Original para Joel y Ethan Coen. Personalmente, he visto la película varias veces, disfrutando de su narrativa única y actuaciones destacadas. 

Breaking Bad, creada por Vince Gilligan y emitida entre 2008 y 2013, es considerada por muchos como una de las mejores series de televisión de todos los tiempos; personalmente, comparto esta opinión. La serie sigue la transformación de Walter White (Bryan Cranston), un profesor de química diagnosticado con cáncer de pulmón, quien decide fabricar y vender metanfetaminas para asegurar el futuro financiero de su familia. A lo largo de cinco temporadas, la narrativa explora la evolución moral de Walter y su socio, Jesse Pinkman (Aaron Paul), sumergiendo a los espectadores en dilemas éticos y contrastes entre el bien y el mal. La ambientación en Albuquerque, Nuevo México, junto con una cinematografía distintiva y una banda sonora cuidadosamente seleccionada, complementa la profundidad de la historia. “Breaking Bad” ha sido galardonada con numerosos premios, incluyendo 16 premios Emmy, consolidando su estatus como un fenómeno cultural y un pilar en el mundo de las series de televisión.

“Fauda” es un drama político y de acción israelí que se adentra en las complejidades del conflicto israelí-palestino a través de la perspectiva de la unidad de élite Mista’arvim de las fuerzas de defensa israelíes. Esta unidad está compuesta por agentes entrenados para infiltrarse en la sociedad palestina, gracias a su dominio del árabe y profundo conocimiento cultural. Creada por Lior Raz y Avi Issacharoff, ambos con experiencia en el ejército israelí, la serie refleja una autenticidad palpable. Lior Raz, además de co-crear la serie, interpreta al protagonista Doron Kavillio, aportando realismo basado en su pasado en la Mista’arvim. “Fauda” destaca por su enfoque realista en operaciones antiterroristas y el impacto psicológico en los miembros de la unidad, sus familias y la población civil. La narrativa equilibra las perspectivas israelíes y palestinas, mostrando las motivaciones y emociones de ambos lados. Con cuatro temporadas emitidas, ha recibido elogios por su autenticidad y narrativa cruda, generando empatía y comprensión a través de múltiples perspectivas

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“Hierro” es una serie española que refleja con autenticidad los desafíos a los que se enfrenta una jueza de instrucción en un entorno insular y aislado como la isla de El Hierro, la más occidental de las Islas Canarias. La trama sigue a la jueza Candela Montes, interpretada por Candela Peña, quien llega a la isla para investigar un asesinato relacionado con un proyecto de parque eólico, sugiriendo posibles motivaciones económicas y de poder detrás del crimen. La serie destaca por entrelazar la investigación criminal con la vida personal de la protagonista, incluyendo los problemas de salud de su hijo menor. A lo largo de sus dos temporadas, “Hierro” explora choques culturales, conflictos de intereses y las complejidades de la vida personal de la jueza, todo ello enmarcado en la singular geografía y cultura de la isla. La interpretación de Candela Peña ha sido ampliamente elogiada, aportando profundidad y autenticidad al personaje.

“Antidisturbios” es una miniserie española de drama policíaco y thriller estrenada el 16 de octubre de 2020 en Movistar Plus+. Creada por Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña, la serie se centra en un equipo de seis agentes de las Unidades de Intervención Policial (UIP) que enfrentan una acusación de homicidio tras una intervención de alto riesgo. A lo largo de seis episodios, la narrativa explora las tensiones profesionales y personales de los agentes, así como las intrigas dentro de la institución policial. La serie ha sido elogiada por su realismo y profundidad en el desarrollo de personajes, ofreciendo una mirada crítica a las dinámicas internas de las fuerzas de seguridad en España.

“Silo” es una serie de ciencia ficción basada en las novelas de Hugh Howey, ambientada en un futuro postapocalíptico donde la humanidad sobrevive en un gigantesco silo subterráneo de 144 niveles. Esta estructura alberga a 10,000 personas que viven bajo estrictas regulaciones destinadas, supuestamente, a protegerlas del ambiente tóxico exterior. La trama sigue a Juliette Nichols, interpretada por Rebecca Ferguson, una ingeniera que, tras una serie de muertes misteriosas y la desaparición del sheriff, comienza a cuestionar las verdaderas intenciones detrás del silo y las verdades ocultas por sus líderes. La serie explora temas como la supervivencia, el control social y la búsqueda de la verdad, mientras Juliette desentraña secretos que podrían cambiar el destino de todos los habitantes del silo. La primera temporada se estrenó en Apple TV+ el 5 de mayo de 2023, recibiendo elogios por su narrativa envolvente y la actuación de Ferguson

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“La Casa de Papel”, conocida internacionalmente como “Money Heist”, es una serie española de drama criminal creada por Álex Pina. La trama sigue a un enigmático personaje apodado “El Profesor”, quien recluta a ocho especialistas con habilidades únicas y nada que perder. Su objetivo: infiltrarse en la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre de España para imprimir 2.400 millones de euros. Los atracadores, identificados con nombres de ciudades como Tokio, Berlín y Nairobi, toman 67 rehenes para negociar con las autoridades mientras ejecutan su meticuloso plan. La serie profundiza en temas de amor, lealtad, identidad y sacrificio, explorando las complejas relaciones entre los personajes y las tensiones inherentes al encierro y la presión externa. Estrenada en 2017, “La Casa de Papel” ha capturado la atención mundial, convirtiéndose en un fenómeno cultural y extendiéndose a lo largo de cinco temporadas.

  

“Babylon Berlin” es una serie alemana de género noir ambientada en la República de Weimar a finales de la década de 1920, antes del ascenso del nazismo. La trama sigue al inspector Gereon Rath, quien llega a Berlín desde Colonia para unirse a la policía criminal de la capital. La serie destaca por su meticulosa recreación de la época, reflejando la efervescencia cultural y la inestabilidad política de la ciudad. A lo largo de tres temporadas, “Babylon Berlin” explora temas como el ascenso de movimientos políticos extremos y las tensiones sociales, ofreciendo una narrativa cautivadora y una producción de alta calidad.

“Los hombres de Paco” es una serie de televisión española que combina comedia y drama policial. Emitida originalmente entre 2005 y 2010, y retomada en 2021, la serie sigue las peripecias de Paco Miranda (Paco Tous), un inspector de policía bonachón y algo torpe, junto a sus compañeros Mariano Moreno (Pepón Nieto) y Lucas Fernández (Hugo Silva). Ambientada en la ficticia comisaría del barrio de San Antonio en Madrid, la trama aborda tanto casos policiales como las complejas relaciones personales y familiares de los protagonistas. La serie se destacó por su enfoque humorístico y humano del trabajo policial, alejándose de las representaciones más tecnológicas del género. Su popularidad llevó a la producción de diez temporadas, consolidándola como un referente en la televisión española.

 

“The Mandalorian” es una serie de acción real ambientada en el universo de Star Wars, creada por Jon Favreau y estrenada en Disney+ el 12 de noviembre de 2019. La historia sigue a Din Djarin, un cazarrecompensas solitario interpretado por Pedro Pascal, que opera en los confines de la galaxia tras la caída del Imperio Galáctico. Ambientada cinco años después de los eventos de “El Retorno del Jedi” (1983), la serie explora las secuelas del colapso imperial y el surgimiento de nuevas amenazas en un universo sin ley. La narrativa se centra en la relación entre el Mandaloriano y Grogu, conocido popularmente como “Baby Yoda”, una criatura sensible a la Fuerza que se convierte en el objetivo de diversas facciones. “The Mandalorian” ha sido aclamada por su enfoque fresco dentro de la franquicia, su estética de wéstern espacial y el desarrollo de personajes, consolidándose como un pilar en la expansión del universo Star Wars en la televisión.

  

“Malaka” es una serie que se sumerge en el lado más oscuro de Málaga, retratando el narcotráfico y la corrupción con un tono sombrío y envolvente. Alejada de la imagen turística habitual de la Costa del Sol, presenta una ciudad marcada por el crimen organizado y el conflicto moral. Los inspectores Darío (Salva Reina) y Blanca (Maggie Civantos) llevan el peso narrativo, aportando intensidad emocional y dinamismo a la investigación de una desaparición vinculada al mundo de la droga. Destaca la interpretación de Laura Baena como la matriarca gitana “Tota”, un personaje poderoso que encarna el pulso de la serie. Aunque Malaka arranca con fuerza y mantiene una tensión interesante, su desenlace resulta insatisfactorio, y ciertos aspectos del tráfico de drogas carecen de realismo. Aun así, es una propuesta recomendable dentro del género policiaco español, que invita a una mirada crítica y que se sostiene gracias a su reparto y atmósfera densa.

Gambito de Dama sigue la vida de Beth Harmon, una huérfana que descubre su prodigioso talento para el ajedrez mientras lidia con problemas personales y adicciones. Ambientada durante la Guerra Fría, la serie explora su ascenso en el competitivo mundo del ajedrez, enfrentando desafíos tanto en el tablero como en su vida privada. Anya Taylor-Joy ofrece una interpretación destacada como Beth, respaldada por un elenco sólido que aporta profundidad a la narrativa. La serie ha sido elogiada por su representación auténtica del ajedrez y su exploración de temas como la autoaceptación y la superación personal.

House of Cards es una serie norteamericana basada en la homónima británica. Protagonizada por Kevin Spacey como Frank Underwood, un político demócrata despiadado, y Robin Wright como su igualmente ambiciosa esposa, Claire. Juntos, manipulan y conspiran para ascender en la jerarquía política de Washington D.C. La serie ofrece una mirada cruda al poder y la corrupción en la política estadounidense. Tras las acusaciones contra Spacey, la serie sufrió cambios significativos, afectando su desarrollo y recepción en las últimas temporadas.

Narcos relata la historia de Pablo Escobar, el infame narcotraficante colombiano que construyó un imperio de la cocaína en las décadas de 1970 y 1980. La serie detalla sus operaciones, la brutalidad de su cartel y los esfuerzos de las autoridades para capturarlo. Pedro Pascal interpreta al agente de la DEA Javier Peña, quien juega un papel clave en la caza de Escobar. "Narcos" ofrece una visión profunda del narcotráfico y sus implicaciones sociales y políticas en Colombia y el mundo.

La Chica de la Limpieza sigue a Thony De La Rosa, una doctora camboyana que se traslada a Estados Unidos en busca de tratamiento médico para su hijo. Ante la adversidad y su estatus de inmigrante ilegal, comienza a trabajar como limpiadora para el crimen organizado. La serie destaca por su enfoque único y la interpretación de Élodie Yung en el papel principal, explorando temas de supervivencia y moralidad en circunstancias extremas.

Special Ops: Lioness es una serie basada en un programa militar real de EE.UU. Sigue la historia de una joven marine que se une al equipo Lioness Engagement, con la misión de infiltrarse en una organización terrorista. Protagonizada por Zoe Saldaña, Nicole Kidman y Michael Kelly, la serie combina acción, drama y suspense, explorando el espionaje y el sacrificio personal en el contexto militar moderno.

Creedme es una miniserie basada en hechos reales que narra la historia de Marie Adler, una joven que denuncia una violación y enfrenta el escepticismo de la policía y su entorno. Paralelamente, dos detectives investigan un caso similar, revelando fallos en el sistema judicial y la importancia de creer a las víctimas. Protagonizada por Kaitlyn Dever, Toni Collette y Merritt Wever, la serie ha sido aclamada por su narrativa poderosa y actuaciones conmovedoras.

Borgen es una aclamada serie política danesa que sigue la vida de Birgitte Nyborg, líder del Partido Moderado, quien inesperadamente se convierte en la primera mujer en ocupar el cargo de Primera Ministra de Dinamarca. Las tres primeras temporadas, emitidas entre 2010 y 2013, exploran cómo Birgitte enfrenta los desafíos del poder, las tensiones políticas, la presión mediática y el equilibrio con su vida familiar. A través de un guion sólido y personajes realistas, la serie ofrece una mirada profunda a las complejidades de la democracia parlamentaria. En 2022, se estrenó una cuarta temporada titulada Borgen: Reino, Poder y Gloria, en la que Nyborg, ahora Ministra de Asuntos Exteriores, se ve envuelta en una crisis internacional tras el descubrimiento de petróleo en Groenlandia. Esta nueva entrega aborda temas como el cambio climático, el colonialismo y los dilemas éticos del poder, consolidando a Borgen como una referencia del drama político contemporáneo.