FRASIER

 

CINE WOKE

"El éxito de un espectáculo siempre dependerá de que el público esté más interesado en lo que sucede en el escenario que en los errores fuera de él."

Siempre he sentido que el cine es un espejo de la sociedad: nos refleja, nos interpela, nos emociona. Pero en los últimos años, observo un giro preocupante. Muchas películas y series han dejado de contarnos historias para centrarse en transmitir mensajes ideológicos, y lo hacen reescribiendo el pasado, reformulando personajes icónicos y alterando obras literarias o cinematográficas que forman parte de la memoria colectiva.

No estoy en contra del cambio ni de la inclusión. Estoy en contra de la manipulación narrativa con fines ideológicos, especialmente cuando se hace a costa del legado cultural, de la historia y de la coherencia interna de una obra.

Un modelo repetitivo y artificial

Hoy muchas producciones responden a un esquema tan predecible como artificial: el protagonista —hombre o mujer— siempre está acompañado de un elenco que cubre todas las casillas de representación: una persona racializada, alguien LGBTQ+, alguien que practica una religión no cristiana, y un trasfondo social de exclusión o trauma.

Esto no sería un problema si estas historias surgieran de forma orgánica. Pero en muchos casos parece más una obligación que una necesidad narrativa. El resultado es que el espectador deja de ver personajes reales y empieza a ver constructos ideológicos disfrazados de guion.

Lo que me desconcierta no es la diversidad —que siempre ha estado en el cine bien hecho— sino su uso instrumental, casi mecánico, como si el relato tuviera que pasar un control de corrección política antes de llegar a pantalla.

El cine no debería enseñarnos a pensar: debería hacernos pensar

El arte no es una lección moral. Es una forma de explorar la condición humana, con todas sus contradicciones, matices, claroscuros. El buen cine no grita: sugiere, conmueve, incomoda a veces, pero siempre respeta al espectador.

El problema con muchas producciones actuales es que confunden representación con imposición. Confunden sensibilidad con censura. Lo hemos visto incluso en el intento de reescribir novelas, cambiar el lenguaje en los libros de Roald Dahl, o modificar los clásicos de Agatha Christie para que encajen en los nuevos estándares morales del siglo XXI.

Pero no se puede reinterpretar el pasado con la ideología del presente sin caer en una forma de revisionismo cultural. Y ese revisionismo, por bien intencionado que sea, borra más de lo que construye.

Ejemplos en el cine español

• Carmen y Lola (2018): muestra una relación entre dos mujeres dentro de la comunidad gitana. Aporta visibilidad, sí, pero fue criticada por su representación sesgada de una cultura compleja.
• Techo y comida (2015): denuncia la precariedad en España. Una historia poderosa, aunque claramente marcada por una lectura social muy determinada.
• La trinchera infinita (2019): sin caer en el discurso fácil, su enfoque sobre el franquismo conecta con las preocupaciones actuales por la memoria y la opresión.
• La llamada (2017): mezcla religión y cultura pop para tratar la identidad sexual en clave ligera. Su mérito está más en la forma que en el fondo.

Hollywood y el dogma ideológico

• Capitana Marvel: se vendió como una película feminista, pero muchos la criticaron por su tono aleccionador y su protagonista “perfecta” e inverosímil.
• Lightyear: buscó marcar un hito con una escena LGBTQ+, pero terminó enfrentando censura y rechazo por su forma de abordar el tema.
• Mulan (2020): despojada de todo lo que hacía memorable al clásico animado, con un discurso políticamente correcto pero sin alma.
• Barbie (2023): convirtió la sátira en bandera, generando división: para algunos fue liberadora, para otros, una caricatura ideológica.

¿Estamos educando o adoctrinando?

No se trata de negar que el cine tenga una dimensión social. Se trata de entender que su primera función es narrativa. Que su poder está en la historia, no en el panfleto. Que los clásicos perduran porque hablaban de emociones humanas, no de discursos de moda.

Tampoco podemos olvidar que muchas de estas producciones pretenden educar desde una superioridad moral sospechosa, en lugar de confiar en la inteligencia del espectador. Se pierde la magia, la duda, la interpretación libre. Todo queda empaquetado, cerrado, explicado… como si el espectador no pudiera pensar por sí mismo.

Conclusión: respeto por la obra, por la historia y por el espectador

El fenómeno woke, cuando se aplica a la revisión de obras clásicas, corre el riesgo de convertirse en una nueva forma de censura disfrazada de progreso. Reescribir el pasado con las categorías del presente no es justicia: es manipulación.

El cine, la literatura, el arte, deben poder mostrar la complejidad del mundo, incluso aquello que hoy resulta incómodo. No todo debe ser ejemplar. No todo personaje tiene que enseñar algo. A veces, basta con que nos conmueva.

Yo no rechazo la evolución de las narrativas. Lo que rechazo es el dogma disfrazado de entretenimiento, la consigna disfrazada de guion, y la corrección política convertida en criterio estético.

El buen cine, el que perdura, no tiene miedo de la imperfección. Ni de la verdad. Y mucho menos del pasado.

RISAS DE CINE

 

El humor en el cine nos enseña a reírnos de la vida y de nosotros mismos

El humor en el cine

El humor siempre ha sido un espejo sencillo, pero honesto. Cuando reímos, a menudo no nos damos cuenta de que estamos mirando lo que somos: nuestras contradicciones, nuestras rarezas. El cine de humor lo hace con más fuerza. Nos muestra cómo vivimos, cómo pensamos, cómo somos. Y lo hace sin pretensiones. Solo a través de la risa. Y aunque parece sutil, no lo es.

Recuerdo la primera vez que vi El guateque. Una vieja película con Peter Sellers, interpretando a un hombre fuera de lugar. Las situaciones eran absurdas, cómicas, pero había algo más ahí. Más tarde entendí que esa película hablaba de clase, de cultura, de esas normas invisibles que parecen hechas para ponernos a prueba.

En España, algo parecido lo hizo Paco Martínez Soria. Sus personajes eran hombres de campo perdidos en la gran ciudad. Todo era risas, sí, pero también había una melancolía en ese choque entre lo que era y lo que ya no podía ser. Nos reíamos, pero también entendíamos la pérdida.

El humor también sirve para hablar de lo que no queremos mirar de frente. La vida de Brian es un buen ejemplo. Monty Python se atrevió a reírse de todo, incluso de la religión. Pero no era una burla fácil, no. Era como si usaran la risa para romper muros, para señalar los absurdos que damos por sentado. En España, La vaquilla hizo algo similar. Era la Guerra Civil, pero desde el humor. Soldados republicanos robando una vaca del bando enemigo. Todo era absurdo. Pero ¿acaso la guerra no lo es? Berlanga usó la comedia como un bisturí: cortó con precisión. Y aunque reímos, dolió. Le he dedicado una entrada aparte a su cine.

En el cine español, el humor tiene un peso especial. Lo que nos hace reír también nos hace preguntarnos quiénes somos. La escopeta nacional es un buen ejemplo: una cacería que es, en realidad, una radiografía. La clase alta, el poder, la corrupción… Todo está ahí, envuelto en situaciones cómicas que te hacen bajar la guardia. Y justo ahí, te llega la verdad.

Esa mezcla —entre la risa y la crítica— es profundamente española. La vi también en Ocho apellidos vascos: un andaluz, una vasca, los tópicos, los acentos… Pero también una mirada sincera a lo que nos separa y lo que nos une. Paco Martínez Soria ya hacía eso, pero desde otro lugar: tradición, familia, el choque entre lo viejo y lo nuevo. Sus películas eran una forma de entender cómo íbamos cambiando como país.

Y no solo en el cine. También en televisión hemos visto humor que conecta con nosotros. Recuerdo Cheers. Ese bar, ese lugar donde se iba a beber, a hablar, a reír. Pero también era un refugio. Las risas escondían heridas. Luego llegó Frasier, que tomó esas risas y las volvió más sofisticadas, más familiares. En España hemos tenido menos ejemplos así, pero algunas series lo lograron: personajes con los que podías reír y, a la vez, sentirte menos solo.

Para mí, hay películas que dejaron algo más que risas. Fueron un hito. De esas que no se borran con el tiempo. Las que todavía llevo conmigo. Las que provocaron esa risa genuina que aparece sin buscarla. Algunas las he mencionado ya. Otras vienen a continuación.

 El Guateque (1968)

"El Guateque" es una comedia clásica donde Peter Sellers interpreta a Hrundi V. Bakshi, un actor hindú torpe que es invitado por error a una lujosa fiesta en Hollywood, desencadenando una serie de situaciones hilarantes.

El regreso de la Pantera Rosa (1975)

En "El Regreso de la Pantera Rosa", el inspector Clouseau, interpretado por Peter Sellers, regresa para investigar el robo del famoso diamante "La Pantera Rosa", en una comedia llena de enredos y humor absurdo.

El jovencito Frankenstein (1974)

"El Jovencito Frankestein" dirigida por Mel Brooks, esta parodia de las películas de terror clásicas sigue al Dr. Frederick Frankenstein mientras recrea los experimentos de su abuelo, con resultados cómicos.

La cena de los idiotas (1998)

"La Cena de los Idiotas", es una comedia francesa donde un grupo de amigos organiza cenas semanales invitando a "idiotas" para burlarse de ellos, pero las cosas no salen como esperan.

Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho? (2014)

"Dios mio, ¿pero que te hemos hecho" trata de una pareja católica francesa enfrenta el matrimonio de sus cuatro hijas con hombres de diferentes culturas y religiones, lo que genera situaciones cómicas y reflexiones sobre la diversidad.

MASH (1970)

MASH. Ambientada durante la Guerra de Corea, esta comedia negra sigue al personal de un hospital quirúrgico móvil que utiliza el humor para sobrellevar las dificultades del conflicto.

Con faldas y a lo loco (1959)

En "Con Faldas y a lo Loco",  dos músicos testigos de un asesinato se disfrazan de mujeres y se unen a una banda femenina para escapar de la mafia, desencadenando una serie de enredos cómicos.

El apartamento (1960)

En "El Apartamento" un empleado presta su apartamento a sus jefes para sus aventuras amorosas, pero las complicaciones surgen cuando se enamora de una de las amantes.

La vida de Brian (1979)

"La historia de Brian", nacido el mismo día que Jesucristo y en el pesebre de al lado, quien es confundido con el Mesías en una sátira de las religiones organizadas.

Atrapado en el tiempo (1993)

En "Atrapado en el Tiempo", un meteorólogo se ve atrapado en un bucle temporal, reviviendo el mismo día una y otra vez, lo que lo lleva a reflexionar sobre su vida y decisiones.

BERLANGA

 

Al final, en lo absurdo está lo humano, y en lo humano, la verdad.

 

Luis García Berlanga: el genio del absurdo que reflejó a España

Este mes de diciembre he finalizado en la Universidad de Alicante un taller sobre escritura de guiones cinematográficos. Revisamos películas, guionistas y directores, sobre todo norteamericanos. Wilder. Hitchcock. Ford. No estuvo mal. Aprendí cosas. Pero cada vez que terminábamos, pensaba en otros nombres. En otros directores. Pensaba en Berlanga. No se habló de su filmografía. Supongo que no había tiempo. O no era el enfoque. Pero para mí, Berlanga siempre está ahí. Este texto es sobre él. Sobre lo que fue y sobre lo que sus películas siguen siendo.

Berlanga, un espejo incómodo de España

Luis García-Berlanga Martí, nacido en Valencia en 1921, no solo dirigió películas: trazó un mapa de las contradicciones de la sociedad española. Con una mezcla precisa de mordaz ironía y humor corrosivo, logró atravesar las estructuras del franquismo y retratar lo que otros apenas se atrevían a mostrar. Su cine, un cóctel de surrealismo y realidad cotidiana, no solo desnudó la España de su tiempo, sino que, de paso, marcó un antes y un después en el cine europeo.

No necesitó discursos directos ni denuncias explícitas. Sabía que la fuerza estaba en los detalles: una conversación aparentemente banal, una escena absurda, un personaje atrapado en su propia contradicción. Era su forma de esquivar la censura, pero también de tocar fibras profundas que otros ignoraban. En sus manos, lo cotidiano se convertía en una radiografía aguda del poder, la moral y la burocracia.

El término “berlanguiano”

Con Berlanga nació un adjetivo. La Real Academia Española reconoció el término “berlanguiano”, que define un estilo donde lo surrealista no solo es posible, sino inevitable. Imagina un pueblo pequeño, una fiesta patronal, un enredo administrativo que acaba consumiendo a todos sus participantes. Lo absurdo no es solo comedia: es un vehículo de crítica social, un espejo deformado pero certero.

Sus historias, en apariencia triviales o cómicas, esconden profundas reflexiones sobre la jerarquía social, los valores impuestos y la hipocresía. A través del humor, Berlanga hablaba de temas prohibidos sin pronunciar una sola palabra prohibida.

Los personajes de Berlanga

En el cine de Berlanga no hay héroes ni villanos. Hay seres humanos atrapados en sistemas que no comprenden: funcionarios confundidos, campesinos enfrentados a trámites imposibles, alcaldes, curas, soldados o burgueses ahogados por normas absurdas. Estos personajes, enfrentados a situaciones límite, reflejan la impotencia de una sociedad desbordada por su propia burocracia y sus prejuicios.

A pesar del tono crítico, Berlanga nunca cayó en el pesimismo. Su cine nos recuerda que la risa siempre está cerca, incluso cuando la situación parece insostenible. Esa capacidad de equilibrar comedia y reflexión es lo que hace que sus películas sigan vigentes.

Un director de actores

Más allá de sus guiones brillantes, el cineasta tenía un don especial para trabajar con actores. Supo rodearse de intérpretes que entendían su visión y la llevaban al límite. José Isbert, Pepe Sacristán, Alfredo Landa, entre otros, aportaron humanidad, profundidad y verdad a sus historias. En sus interpretaciones no había artificio: había vida, ironía y emoción contenida.

Un legado irrepetible

Berlanga cosechó premios y reconocimientos, pero su legado más duradero está en la manera de hacer cine: crítica sin panfleto, risa sin superficialidad, sátira con alma. Hoy, su influencia se percibe en muchos cineastas que encuentran en él una fuente inagotable de inspiración.

Lo esencial del cine de Berlanga

• Crítica social y política indirecta, pero contundente.

• Uso del absurdo como herramienta de análisis.

• Personajes atrapados en sistemas disfuncionales.

• Humor que suaviza y potencia la crítica.

• Dirección de actores sutil y humana.

• Reflexión sobre la clase media, el poder y la cultura popular.

Películas que me marcaron

Bienvenido, Mister Marshall (1953)

Una sátira sobre el conformismo y la ingenuidad de la España de posguerra. En un pueblo andaluz, los vecinos se preparan para la llegada de diplomáticos estadounidenses. Se visten de flamencos y montan espectáculos… pero la realidad es otra. Berlanga denuncia, entre risas, la manipulación política y los sueños vacíos de una sociedad necesitada.

Plácido (1961)

En plena Navidad, se lanza una campaña franquista: “Siente a un pobre a su mesa”. Plácido, un humilde hombre contratado para el acto, se convierte en un símbolo de caridad. Berlanga lanza aquí una de sus críticas más feroces a la hipocresía burguesa. Fue nominada al Óscar a Mejor Película de Habla No Inglesa.

El verdugo (1963)

Comedia negra y demoledora crítica a la pena de muerte. José Luis, joven enterrador, se ve forzado a heredar el oficio de su suegro: verdugo del Estado. La película revela el horror cotidiano de una función institucionalizada. Una sátira sobre la obediencia, la normalización de la violencia y la doble moral de una sociedad cómplice.

La escopeta nacional (1978)

Luis García Berlanga, junto a Rafael Azcona, creó con su Trilogía Nacional —La escopeta nacional (1978), Patrimonio nacional (1981) y Nacional III (1982)— un ácido retrato de la España de la Transición. A través de la decadente familia Leguineche, las películas exploran con sátira y humor los mecanismos de corrupción, tráfico de influencias y adaptación oportunista de las élites al nuevo régimen democrático.

La escopeta nacional muestra el poder económico y político del tardofranquismo a través de una cacería donde empresarios buscan favores ministeriales. Patrimonio nacional retrata la vuelta del marqués de Leguineche a Madrid tras la muerte de Franco, reflejando el acomodo de las viejas élites en la monarquía restaurada. Finalmente, Nacional IIIpresenta a la familia intentando proteger su fortuna ante el triunfo socialista de 1982.

La trilogía destaca también por su uso magistral del plano secuencia, que subraya la opresión social sobre el individuo. Berlanga logra combinar crítica social y entretenimiento, ofreciendo un testimonio mordaz y vigente de las estructuras de poder españolas. El legado de estas películas trasciende el cine, consolidándose como una referencia cultural clave para comprender las dinámicas políticas y sociales de la España contemporánea.

La vaquilla (1985)

Durante la Guerra Civil, unos soldados republicanos intentan robar una vaca del bando enemigo. Una misión absurda, tan absurda como la propia guerra. Con humor negro, Berlanga critica el fanatismo, el hambre y la inutilidad del conflicto, humanizando a todos sus personajes.

Todos a la cárcel (1993)

En una cárcel valenciana, se organiza un encuentro de antiguos represaliados del franquismo. Ahora burgueses, conviven con presos comunes. La sátira alcanza aquí un nivel esperpéntico: corrupción, olvido y memoria manipulada. Ganó el Goya al mejor director. Una tragicomedia amarga sobre la posmemoria y el cinismo político.

Luis García Berlanga no solo dirigió películas: construyó un lenguaje propio, creó un estilo, un adjetivo, una mirada. Su cine es una lección de cómo reírnos de lo que duele, y entender, a través del humor, lo que otros se empeñan en esconder. 

Trailer de "Todos a la Carcel"

SERIES TELEVISION EXCELENTES

 

"Si puede ser escrito o pensado, puede ser filmado."

Stanley Kubrick

 

El cine y las series han sido una constante en mi vida desde los años 60, cuando en Badajoz acudíamos al cine López de Ayala, Menacho o Pacense en busca de historias cautivadoras. La llegada de la televisión transformó esa experiencia, llevándola al hogar y haciéndola más cercana e íntima.

  Con el nuevo milenio, las series vivieron un auge sin precedentes. Clásicos como El Santo, Misión Imposible, Los Vengadores o Canción triste de Hill Street marcaron época y definieron nuevos estilos narrativos.

 En mi etapa en Lima, redescubrí esta pasión gracias a Breaking Bad, una obra maestra que me mantuvo despierto noche tras noche. Fue una verdadera revelación.

También entonces descubrí el cine nórdico a través de Bron (El Puente), que me abrió las puertas a una narrativa distinta y profunda. La ficción británica, con su rigor y elegancia, también me atrapó.

Y como si la historia se reinventara, el cine español vivió un renacer durante la pandemia. Hierro, La Unidad y La casa de papeldestacaron por su calidad, su tensión narrativa y una frescura que marcó tendencia tanto dentro como fuera del país.

 

La serie “Fargo”, estrenada en 2014, se inspira en la película homónima de 1996 dirigida por los hermanos Coen, manteniendo su característico humor negro y giros inesperados. La primera temporada reinterpreta eventos similares a los del filme, pero con desenlaces distintos, mientras que las temporadas posteriores presentan historias independientes ambientadas en diferentes épocas, conservando el tono de violencia y humor negro que caracteriza a la obra original. La película “Fargo” es considerada un clásico del cine contemporáneo, combinando comedia negra, crimen y drama. Ganó dos premios Oscar: Mejor Actriz para Frances McDormand y Mejor Guion Original para Joel y Ethan Coen. Personalmente, he visto la película varias veces, disfrutando de su narrativa única y actuaciones destacadas. 

Breaking Bad, creada por Vince Gilligan y emitida entre 2008 y 2013, es considerada por muchos como una de las mejores series de televisión de todos los tiempos; personalmente, comparto esta opinión. La serie sigue la transformación de Walter White (Bryan Cranston), un profesor de química diagnosticado con cáncer de pulmón, quien decide fabricar y vender metanfetaminas para asegurar el futuro financiero de su familia. A lo largo de cinco temporadas, la narrativa explora la evolución moral de Walter y su socio, Jesse Pinkman (Aaron Paul), sumergiendo a los espectadores en dilemas éticos y contrastes entre el bien y el mal. La ambientación en Albuquerque, Nuevo México, junto con una cinematografía distintiva y una banda sonora cuidadosamente seleccionada, complementa la profundidad de la historia. “Breaking Bad” ha sido galardonada con numerosos premios, incluyendo 16 premios Emmy, consolidando su estatus como un fenómeno cultural y un pilar en el mundo de las series de televisión.

“Fauda” es un drama político y de acción israelí que se adentra en las complejidades del conflicto israelí-palestino a través de la perspectiva de la unidad de élite Mista’arvim de las fuerzas de defensa israelíes. Esta unidad está compuesta por agentes entrenados para infiltrarse en la sociedad palestina, gracias a su dominio del árabe y profundo conocimiento cultural. Creada por Lior Raz y Avi Issacharoff, ambos con experiencia en el ejército israelí, la serie refleja una autenticidad palpable. Lior Raz, además de co-crear la serie, interpreta al protagonista Doron Kavillio, aportando realismo basado en su pasado en la Mista’arvim. “Fauda” destaca por su enfoque realista en operaciones antiterroristas y el impacto psicológico en los miembros de la unidad, sus familias y la población civil. La narrativa equilibra las perspectivas israelíes y palestinas, mostrando las motivaciones y emociones de ambos lados. Con cuatro temporadas emitidas, ha recibido elogios por su autenticidad y narrativa cruda, generando empatía y comprensión a través de múltiples perspectivas

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“Hierro” es una serie española que refleja con autenticidad los desafíos a los que se enfrenta una jueza de instrucción en un entorno insular y aislado como la isla de El Hierro, la más occidental de las Islas Canarias. La trama sigue a la jueza Candela Montes, interpretada por Candela Peña, quien llega a la isla para investigar un asesinato relacionado con un proyecto de parque eólico, sugiriendo posibles motivaciones económicas y de poder detrás del crimen. La serie destaca por entrelazar la investigación criminal con la vida personal de la protagonista, incluyendo los problemas de salud de su hijo menor. A lo largo de sus dos temporadas, “Hierro” explora choques culturales, conflictos de intereses y las complejidades de la vida personal de la jueza, todo ello enmarcado en la singular geografía y cultura de la isla. La interpretación de Candela Peña ha sido ampliamente elogiada, aportando profundidad y autenticidad al personaje.

“Antidisturbios” es una miniserie española de drama policíaco y thriller estrenada el 16 de octubre de 2020 en Movistar Plus+. Creada por Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña, la serie se centra en un equipo de seis agentes de las Unidades de Intervención Policial (UIP) que enfrentan una acusación de homicidio tras una intervención de alto riesgo. A lo largo de seis episodios, la narrativa explora las tensiones profesionales y personales de los agentes, así como las intrigas dentro de la institución policial. La serie ha sido elogiada por su realismo y profundidad en el desarrollo de personajes, ofreciendo una mirada crítica a las dinámicas internas de las fuerzas de seguridad en España.

“Silo” es una serie de ciencia ficción basada en las novelas de Hugh Howey, ambientada en un futuro postapocalíptico donde la humanidad sobrevive en un gigantesco silo subterráneo de 144 niveles. Esta estructura alberga a 10,000 personas que viven bajo estrictas regulaciones destinadas, supuestamente, a protegerlas del ambiente tóxico exterior. La trama sigue a Juliette Nichols, interpretada por Rebecca Ferguson, una ingeniera que, tras una serie de muertes misteriosas y la desaparición del sheriff, comienza a cuestionar las verdaderas intenciones detrás del silo y las verdades ocultas por sus líderes. La serie explora temas como la supervivencia, el control social y la búsqueda de la verdad, mientras Juliette desentraña secretos que podrían cambiar el destino de todos los habitantes del silo. La primera temporada se estrenó en Apple TV+ el 5 de mayo de 2023, recibiendo elogios por su narrativa envolvente y la actuación de Ferguson

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“La Casa de Papel”, conocida internacionalmente como “Money Heist”, es una serie española de drama criminal creada por Álex Pina. La trama sigue a un enigmático personaje apodado “El Profesor”, quien recluta a ocho especialistas con habilidades únicas y nada que perder. Su objetivo: infiltrarse en la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre de España para imprimir 2.400 millones de euros. Los atracadores, identificados con nombres de ciudades como Tokio, Berlín y Nairobi, toman 67 rehenes para negociar con las autoridades mientras ejecutan su meticuloso plan. La serie profundiza en temas de amor, lealtad, identidad y sacrificio, explorando las complejas relaciones entre los personajes y las tensiones inherentes al encierro y la presión externa. Estrenada en 2017, “La Casa de Papel” ha capturado la atención mundial, convirtiéndose en un fenómeno cultural y extendiéndose a lo largo de cinco temporadas.

  

“Babylon Berlin” es una serie alemana de género noir ambientada en la República de Weimar a finales de la década de 1920, antes del ascenso del nazismo. La trama sigue al inspector Gereon Rath, quien llega a Berlín desde Colonia para unirse a la policía criminal de la capital. La serie destaca por su meticulosa recreación de la época, reflejando la efervescencia cultural y la inestabilidad política de la ciudad. A lo largo de tres temporadas, “Babylon Berlin” explora temas como el ascenso de movimientos políticos extremos y las tensiones sociales, ofreciendo una narrativa cautivadora y una producción de alta calidad.

“Los hombres de Paco” es una serie de televisión española que combina comedia y drama policial. Emitida originalmente entre 2005 y 2010, y retomada en 2021, la serie sigue las peripecias de Paco Miranda (Paco Tous), un inspector de policía bonachón y algo torpe, junto a sus compañeros Mariano Moreno (Pepón Nieto) y Lucas Fernández (Hugo Silva). Ambientada en la ficticia comisaría del barrio de San Antonio en Madrid, la trama aborda tanto casos policiales como las complejas relaciones personales y familiares de los protagonistas. La serie se destacó por su enfoque humorístico y humano del trabajo policial, alejándose de las representaciones más tecnológicas del género. Su popularidad llevó a la producción de diez temporadas, consolidándola como un referente en la televisión española.

 

“The Mandalorian” es una serie de acción real ambientada en el universo de Star Wars, creada por Jon Favreau y estrenada en Disney+ el 12 de noviembre de 2019. La historia sigue a Din Djarin, un cazarrecompensas solitario interpretado por Pedro Pascal, que opera en los confines de la galaxia tras la caída del Imperio Galáctico. Ambientada cinco años después de los eventos de “El Retorno del Jedi” (1983), la serie explora las secuelas del colapso imperial y el surgimiento de nuevas amenazas en un universo sin ley. La narrativa se centra en la relación entre el Mandaloriano y Grogu, conocido popularmente como “Baby Yoda”, una criatura sensible a la Fuerza que se convierte en el objetivo de diversas facciones. “The Mandalorian” ha sido aclamada por su enfoque fresco dentro de la franquicia, su estética de wéstern espacial y el desarrollo de personajes, consolidándose como un pilar en la expansión del universo Star Wars en la televisión.

  

“Malaka” es una serie que se sumerge en el lado más oscuro de Málaga, retratando el narcotráfico y la corrupción con un tono sombrío y envolvente. Alejada de la imagen turística habitual de la Costa del Sol, presenta una ciudad marcada por el crimen organizado y el conflicto moral. Los inspectores Darío (Salva Reina) y Blanca (Maggie Civantos) llevan el peso narrativo, aportando intensidad emocional y dinamismo a la investigación de una desaparición vinculada al mundo de la droga. Destaca la interpretación de Laura Baena como la matriarca gitana “Tota”, un personaje poderoso que encarna el pulso de la serie. Aunque Malaka arranca con fuerza y mantiene una tensión interesante, su desenlace resulta insatisfactorio, y ciertos aspectos del tráfico de drogas carecen de realismo. Aun así, es una propuesta recomendable dentro del género policiaco español, que invita a una mirada crítica y que se sostiene gracias a su reparto y atmósfera densa.

Gambito de Dama sigue la vida de Beth Harmon, una huérfana que descubre su prodigioso talento para el ajedrez mientras lidia con problemas personales y adicciones. Ambientada durante la Guerra Fría, la serie explora su ascenso en el competitivo mundo del ajedrez, enfrentando desafíos tanto en el tablero como en su vida privada. Anya Taylor-Joy ofrece una interpretación destacada como Beth, respaldada por un elenco sólido que aporta profundidad a la narrativa. La serie ha sido elogiada por su representación auténtica del ajedrez y su exploración de temas como la autoaceptación y la superación personal.

House of Cards es una serie norteamericana basada en la homónima británica. Protagonizada por Kevin Spacey como Frank Underwood, un político demócrata despiadado, y Robin Wright como su igualmente ambiciosa esposa, Claire. Juntos, manipulan y conspiran para ascender en la jerarquía política de Washington D.C. La serie ofrece una mirada cruda al poder y la corrupción en la política estadounidense. Tras las acusaciones contra Spacey, la serie sufrió cambios significativos, afectando su desarrollo y recepción en las últimas temporadas.

Narcos relata la historia de Pablo Escobar, el infame narcotraficante colombiano que construyó un imperio de la cocaína en las décadas de 1970 y 1980. La serie detalla sus operaciones, la brutalidad de su cartel y los esfuerzos de las autoridades para capturarlo. Pedro Pascal interpreta al agente de la DEA Javier Peña, quien juega un papel clave en la caza de Escobar. "Narcos" ofrece una visión profunda del narcotráfico y sus implicaciones sociales y políticas en Colombia y el mundo.

La Chica de la Limpieza sigue a Thony De La Rosa, una doctora camboyana que se traslada a Estados Unidos en busca de tratamiento médico para su hijo. Ante la adversidad y su estatus de inmigrante ilegal, comienza a trabajar como limpiadora para el crimen organizado. La serie destaca por su enfoque único y la interpretación de Élodie Yung en el papel principal, explorando temas de supervivencia y moralidad en circunstancias extremas.

Special Ops: Lioness es una serie basada en un programa militar real de EE.UU. Sigue la historia de una joven marine que se une al equipo Lioness Engagement, con la misión de infiltrarse en una organización terrorista. Protagonizada por Zoe Saldaña, Nicole Kidman y Michael Kelly, la serie combina acción, drama y suspense, explorando el espionaje y el sacrificio personal en el contexto militar moderno.

Creedme es una miniserie basada en hechos reales que narra la historia de Marie Adler, una joven que denuncia una violación y enfrenta el escepticismo de la policía y su entorno. Paralelamente, dos detectives investigan un caso similar, revelando fallos en el sistema judicial y la importancia de creer a las víctimas. Protagonizada por Kaitlyn Dever, Toni Collette y Merritt Wever, la serie ha sido aclamada por su narrativa poderosa y actuaciones conmovedoras.

Borgen es una aclamada serie política danesa que sigue la vida de Birgitte Nyborg, líder del Partido Moderado, quien inesperadamente se convierte en la primera mujer en ocupar el cargo de Primera Ministra de Dinamarca. Las tres primeras temporadas, emitidas entre 2010 y 2013, exploran cómo Birgitte enfrenta los desafíos del poder, las tensiones políticas, la presión mediática y el equilibrio con su vida familiar. A través de un guion sólido y personajes realistas, la serie ofrece una mirada profunda a las complejidades de la democracia parlamentaria. En 2022, se estrenó una cuarta temporada titulada Borgen: Reino, Poder y Gloria, en la que Nyborg, ahora Ministra de Asuntos Exteriores, se ve envuelta en una crisis internacional tras el descubrimiento de petróleo en Groenlandia. Esta nueva entrega aborda temas como el cambio climático, el colonialismo y los dilemas éticos del poder, consolidando a Borgen como una referencia del drama político contemporáneo.

EL TERCER HOMBRE

 

 

"En Italia, durante 30 años bajo los Borgia, tuvieron guerra, terror, asesinatos y derramamiento de sangre, pero produjeron a Miguel Ángel, a Leonardo Da Vinci y el Renacimiento. En Suiza, tuvieron amor fraternal; tuvieron 500 años de democracia y paz, ¿y qué produjeron? El reloj de cuco."

Harry Lime 

Ayer, 29 de octubre de 2024, volví a adentrarme en El tercer hombre, ese rincón oscuro y fascinante del cine que transcurre en una Viena herida, aún marcada por los fantasmas de la Segunda Guerra Mundial. Tres décadas habían pasado desde la última vez que me perdí en su blanco y negro, en ese juego de luces y sombras que envuelve a los personajes con un misterio inquietante.

Como siempre, fue un deleite reencontrarme con la intriga del tercer hombre, esa pregunta suspendida que sostiene la tensión del relato, y con el genio de sus primeros planos, donde cada mirada parece esconder una verdad a medias. Pero hablar de su trama sería repetirse; la grandeza de su realización ha sido ya glosada hasta la saciedad. El tercer hombreno es solo una película: es un ícono de lo perdurable.

El filósofo Julián Marías, en su artículo “Viena sin Danubio”, captó con precisión la esencia de esta obra. Para él, la película trasciende el relato de crimen y desolación porque convierte a Viena en un personaje más, una ciudad exhausta, rota. Reed nos muestra una Viena dividida entre las potencias aliadas —estadounidenses, británicos, franceses y rusos—, donde cada rincón es testigo del dolor colectivo. Una ciudad sin río y sin alma, que sobrevive entre penumbras y ruinas.

Y en este paisaje desolado, emerge otro protagonista: la música de la cítara, compuesta e interpretada por el austriaco Anton Karas. Su tema principal, el ya mítico “Harry Lime Theme”, se contrapone con su ligereza al tono sombrío de la historia. Esa dualidad, sin embargo, no chirría: al contrario, refuerza la ambigüedad moral que respira todo el filme. La cítara no es solo música; es atmósfera, es alma, es intriga. Su éxito fue inmediato y mundial, y aún hoy sigue siendo una de las melodías más reconocidas del cine clásico.

Recuerdo claramente mi primer encuentro con Viena en 2006. Paseaba por Josefplatz, cerca del Hofburg, cuando vi unas cariátides en la entrada de un edificio. De inmediato supe que estaba frente al Palacio Pallavicini, donde Joseph Cotten aparece al inicio de la película. Aquellas figuras, grabadas en mi memoria a través de la pantalla, me transportaron al film. Me fotografié junto a ellas, sabiendo que estaba frente a un fragmento del imaginario colectivo. En cada regreso a Viena, vuelvo a ese lugar. En diciembre de 2024, las encontré restauradas, más blancas, como si también ellas quisieran permanecer inmortales, aferradas al recuerdo.

El tercer hombre nos cuenta la historia de Holly Martins, un escritor que llega a Viena en busca de su amigo Harry Lime, solo para descubrir un mundo de sombras, traiciones y dobles vidas. En esa travesía, Martins debe enfrentar la decepción: su amigo no es quien creía. La ciudad, dividida y oscura, es un reflejo del propio Harry: carismático, enigmático, pero moralmente descompuesto.

Y es allí, en las famosas alcantarillas vienesas, donde Harry Lime suelta una de las frases más cínicas y memorables del cine:

El tercer hombre sigue siendo un lugar de memoria, un cine donde todo –la cítara, la Viena en ruinas, la mirada de Harry Lime desde la noria, las alcantarillas mojadas– compone un retrato inolvidable de Europa herida. Una obra que, más de siete décadas después, sigue preguntándonos lo mismo: ¿quién es ese “tercer hombre” que nunca vemos del todo, pero que siempre está allí, entre sombras?

Tráiler oficial de El tercer hombre:

FILMOTECA SELECTA.JOYAS DEL CINE MUNDIAL

“Las películas son como ventanas, pero a veces también pueden ser espejos.”

Desde niño, allá por los años 60, descubrí mi pasión por el cine en mi querida Badajoz, donde dos cines emblemáticos —el Teatro López de Ayala y el desaparecido Menacho— me abrieron las puertas a mundos fascinantes. En aquellos tiempos, ir al cine era un verdadero acontecimiento. La emoción de ver películas de vaqueros, de aventuras o de cualquier otro género era incomparable. El Menacho, que hoy ha sido reemplazado por una tienda de ropa, tenía un encanto especial, como tantos cines antiguos que marcaron una época y dejaron una huella imborrable en la vida de sus espectadores.

A lo largo de los años, mi afición por el cine ha evolucionado, pero aún conservo el mismo entusiasmo por descubrir —y redescubrir— películas que considero auténticas joyas. En esta recopilación, quiero compartir algunas de mis favoritas, acompañadas de comentarios y reflexiones que he leído y con los que coincido plenamente. Algunas me conquistaron desde la primera vez que las vi; otras han ido ganando profundidad con cada nuevo visionado. Pero todas, sin excepción, forman parte de mi particular homenaje al cine: una pasión que ha crecido conmigo y que hoy deseo compartir contigo.

La Mejor Oferta (2013)

Giuseppe Tornatore dirige este elegante thriller emocional protagonizado por Geoffrey Rush. Virgil Oldman, un solitario experto en arte, conoce a Claire, una joven agorafóbica que lo lleva a cuestionarse el valor de la belleza, la autenticidad y el amor. La trama combina misterio y romance en una atmósfera cargada de simbolismo, donde el arte es tanto refugio como trampa. La fotografía brilla con tonos dorados y composiciones que parecen cuadros. Rush está impecable, y el giro final deja una marca duradera. Una obra visualmente sofisticada y emocionalmente desconcertante.

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Sicario (2015)

Dirigida por Denis Villeneuve, Sicario es un retrato brutal de la guerra contra el narcotráfico. Emily Blunt interpreta a una agente del FBI arrastrada a una operación encubierta donde reina la ambigüedad moral. Benicio del Toro, como Alejandro, se roba cada escena con su presencia silenciosa e intensa. La fotografía resalta el desierto como un paisaje hostil, reforzando la tensión constante. Un thriller seco, inquietante y preciso.

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Sicario: Día del Soldado (2018)

La secuela lleva la oscuridad aún más lejos. Alejandro (Benicio del Toro) y Matt (Josh Brolin) operan al margen de la ley para desatar una guerra entre cárteles. Sin la brújula moral de Emily Blunt, la historia se vuelve más nihilista. La relación entre Alejandro e Isabel aporta humanidad al sicario. Visualmente árida y tensa, explora la violencia como rutina sin redención.

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Fargo (1996)

Una tragicomedia criminal de los hermanos Coen donde lo absurdo convive con la violencia. Un secuestro mal planeado trastorna la calma de un pueblo nevado. Frances McDormand brilla como Marge Gunderson, una policía embarazada y serena. La estética blanca convierte la nieve en lienzo moral. Minimalista en forma, pero profunda en contenido.

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Comanchería (2016)

Un western moderno sobre bancarrotas emocionales y económicas. Dos hermanos roban bancos en Texas para salvar su granja. Jeff Bridges, como el sheriff veterano, aporta empatía al conflicto. El paisaje desértico refuerza la sensación de abandono. Una crítica social disfrazada de persecución. Seca, sobria, intensa.

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Salvar al soldado Ryan (1998)

Spielberg redefine el cine bélico con una historia sobre sacrificio y humanidad. El desembarco en Normandía es una secuencia inolvidable. Tom Hanks lidera una misión para rescatar a un soldado, símbolo de esperanza. Realismo crudo, emoción honesta y una narrativa que honra la vida en medio del caos.

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Mejor… Imposible (1997)

Una comedia romántica con alma. Jack Nicholson encarna a un escritor maniático y sarcástico que, gracias a una camarera (Helen Hunt) y un vecino artista (Greg Kinnear), aprende a abrir su corazón. Tierna, sarcástica y profundamente humana, habla de transformación a través del amor y la empatía.

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Blade Runner (1982)

En un mundo lluvioso y decadente, los replicantes buscan sentido y vida. Harrison Ford los caza, pero ellos sienten más que él. Ridley Scott crea un hito del cine con estética cyberpunk, dilemas éticos y poesía visual. “He visto cosas que vosotros no creeríais…” sigue resonando como elegía futurista.

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Matrix (1999)

¿Y si el mundo fuera una ilusión? Neo lo descubre al tomar la píldora roja. Filosofía, kung-fu, Baudrillard y Platón se encuentran en esta revolución cinematográfica. Estilo cyberpunk, acción visionaria y preguntas eternas: ¿qué es real? Las Wachowski cambiaron la historia del cine con esta bomba cultural.

 Dune (2021)

Villeneuve adapta a Frank Herbert con una visión majestuosa. Paul Atreides enfrenta su destino en el árido planeta Arrakis. Política, misticismo y supervivencia entre gusanos gigantes y traiciones. Visualmente colosal y espiritualmente densa, Dune es mito moderno envuelto en arena y silencio.

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Cadena Perpetua (1994)

Andy Dufresne, condenado injustamente, encuentra libertad en la esperanza. Su amistad con Red, narrada por Morgan Freeman, es el corazón de esta historia sobre redención. La prisión es sombría, pero la luz de la perseverancia ilumina el camino. Una oda al alma humana y su capacidad de resistir.

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